Hemel, Cielo en holandés, es la protagonista de una historia bastante psicológica y que pude ver en el BAFICI. A grandes rasgos podemos decir que se trata de una muchacha joven, promiscua, incapaz de iniciar o mantener algún tipo de relación. Con el tiempo descubriremos que la raíz de todo esto está en su padre (complejo de Electra irresuelto), con quien tiene una relación un tanto confusa (por ejemplo estando ambos desnudos en el baño, etc.)

Es una película que abusa un poco del desnudo (sin caer en el mal gusto), pero creo que no aporta realmente al perfil que quieren construir. Toda la narración pasa por la construcción del perfil psicológico de la protagonista, desde cómo interactúa con la pareja de su padre, hasta con los hombres que conoce en un bar o su pseudo-hermano.

Sin tener ningún conocimiento de psicología, podemos afirmar que se trata de una mente perturbada. No tiene una vida saludable y no parece feliz tampoco. Como película me resultó un poco vueltera; algunas cosas no me quedaron claras (personajes que en una escena aparecen y luego se transforman en esenciales, sin haber retenido sus caras). Es bastante lineal, no hay saltos narrativos y el carácter de la protagonista se construye siempre en la misma dirección.

Es una película pasable. Para amantes del cine psicológico quizás sea un peliculón, pero no es mi caso. De todas formas reconozco un buen proceso de edición, de elección de escenas. A nivel de exploración del personaje, me quedo con Francine, y a nivel psicológico con Aquí Estoy, Aquí No. Esta película se queda un poco corta (salvo por la belleza de su protagonista).

Frecuentes, intensos, imprevisibles y azarosos son los encuentros sexuales que mantiene la bella Hemel. Pero también son casi una práctica deportiva o dramática hasta el límite, como una compulsión o un ejercicio maníaco que deja un resabio melancólico. Desde la muerte de su madre, Hemel terminó de estrechar la cercanía con su padre Gijs, cuyos amores parecen la contracara sensual de los volcánicos de su hija, y tampoco duda en asestar su dictamen feroz sobre cada nueva candidata. Si todo debut en cine es sinónimo de expectativa, éste de Sacha Polak no sólo está a la altura de ese lugar común sino que permite avizorar un horizonte mayor, al convertir la belleza arrasadora de su protagonista Hannah Hoekstra en poco más que un subterfugio, un mero atajo para hablar de aquello que más preocupa e incomoda al ser humano desde siemprEdición: la soledad de nuestras ciudades anónimas, la dificultad de comprometerse afectivamente y las oscilaciones volubles del carácter. Provocativa hasta la explosión.

No recuerdo haber visto una película chilena antes, pero tuve la oportunidad en este BAFICI. La directora de Aquí Estoy, Aquí No declaró que la filmaron con un presupuesto bajísimo (por no decir nulo) a lo largo de varios meses; no se si lo hizo a forma de disculpa. Todo gira alrededor de Ramiro, un periodista gordo; todo lo vemos a través de los ojos de él. Sin dudas este actor se lleva todos los aplausos. Empezamos con un accidente, aunque luego hasta dudamos de que haya sido real. Luego a través de la obsesión con una cantante que ya todo el mundo olvidó.

Por momentos la película me resultó un poco confusa (era imposible distinguir realidad de delirio), pasado de presente. Me costó justificar esta elección narrativa hasta que me puse en la piel del narrador; es decir, no nos muestran la historia a partir de un observador imparcial y omnisciente sino todo lo contrario. Ramiro es un personaje perturbado y una vez que termina la película uno se pregunta qué fue lo que pasó realmente.

De a ratos hace reír bastante (algunas situaciones hacen reír por la ironía) y de a ratos se vuelve algo rebuscado. A grandes rasgos podría decir que me gustó, pero no me pareció excepcional. Se me hizo un poco larga, con algunas cuestiones que no lograban resolver rápidamente. Las locaciones me gustaron bastante; sin dudas influenciado por haber estado en Chile hace poco más de un mes.

Todos conocemos a alguien como Ramiro; es de esas personas a las que siempre les pasan cosas, aunque su estampa parezca sugerir lo contrario. Siempre igual a sí mismo, Ramiro es protagonista de una serie de aventuras y azares que cuenta alternativamente a amigos, parejas y potenciales empleadores. ¿Es un vago o sólo está deprimido? En todo caso, se protege con una convicción que resulta arma de seducción y que lo hace brillar en cualquier sobremesa. La realizadora de Mami te amo se entrega a escenificar las historias, mostrar sus puntos de intersección y su desdoblamiento. Es difícil saber qué es verdad y qué es imaginación en esta película; y el interés está más allá del acertijo, en una constelación de relatos que recorren el Santiago más mediático y moderno. Ramiro trabaja como periodista y su mirada, cerca del centro pero a la vez marginal, transforma los sucesos en los rayos de una rueda que lo tiene como eje a él, el hombre que cuenta la vida de los demás, el hombre al que aparentemente no le pasa nada.

Francine es sin dudas una de las mejores películas que vi hasta ahora en el Festival. Se trata de la historia de una mujer que sale de la cárcel y debe re-introducirse en la sociedad y la vida laboral. Lo más destacado en la película sin dudas es la actriz principal (que tal como comentó el director, ayudó mucho a los demás actores, algunos amateurs, a compenetrarse con el papel y sus roles).

Toda la película gira alrededor de la soledad; esta persona que estuvo recluida algún tiempo (no sabemos ni cuánto ni el por qué) encuentra compañía sólo en animales; desde el primer momento cuando adopta un gato hasta más adelante cuando vemos el caos que es su casa llena de mascotas. Las interacciones con otras personas son más bien escasas y con pocos diálogos.

La imposibilidad de hacer amigos, de empezar una relación o siquiera de mantener un trabajo por más que un par de semanas son partes de ese proceso de re-adaptación a la vida en sociedad. Por momentos la película me resultó un poco agobiante, pero no lo considero un punto negativo sino una cuestión de compenetración con la historia.

Creo que se trata de un muy buen trabajo de exploración del carácter de las personas y de los efectos que algunas instituciones pueden tener sobre la gente. Los únicos "amigos" que la protagonista tiene son, curiosamente, miembros de una iglesia local.

Francine sale de la cárcel. Se instala en una casa. Comienza a buscar trabajo. Tiene algunos. Conecta con algunas personas. Contactos fugaces, ya sea por su propia naturaleza o por decisión de Francine. ¿Quién es Francine? Una mujer de unos cincuenta años que además de lo comentado en las líneas precedentes ama a los animales, o por lo menos los junta en su casa en cantidades asombrosas. O enfermas. Uno tiene interrogantes sobre el personaje Francine porque la película Francine es ferozmente antipsicologista. Francine está interpretada por Melissa Leo (ganadora del Oscar por The Fighter), en una de esas actuaciones totales, cabales, admirables en su contención y sobriedad. Los directores Brian M. Cassidy y Melanie Shatzky siguen con respeto y crudeza a su personaje, que habita lugares desangelados, esa suburbia americana en su vertiente descascarada, destartalada, en crisis. Francine es obviamente un personaje en crisis, desesperado, y para acercarse a su vida y hacer un cine de especial solidez y tremendo y lacerante atractivo hacía falta rigor: en este caso, encarnado en coherentes y lúcidas decisiones cinematográficas cargadas de honestidad y realismo.

The International Sign for Choking me pareció un peliculón del BAFICI. La película es sobre un guionista joven que decide ir a Buenos Aires a juntar material para escribir; luego veremos que su decisión está guiada por una mujer, a la que habría conocido en una estadía previa. Se trata sin dudas de la visión que un extranjero tiene de nuestra ciudad, especialmente cuando viene en calidad de expat. Quizás por estar en contacto con tantos extranjeros que viven y que vienen de visita, esta película logró llegarme un poco más.

La fotografía de la película es muy limpia; hasta me atrevería a decir que fue hecha con una cámara de fotos (tipo Canon Mark II); no me gustaron algunos encuadres en los que quizás una persona que habla quedaba con una mitad afuera de la pantalla (¿será elección estética?). La música estuvo bien elegida y el guión me pareció impecable. Sin dudas, tal como en la ficción, la persona que escribió la película vivió Buenos Aires desde los ojos de un extranjero. Tiene escenas cómicas, pero sin caer en lo absurdo, un poco de romance, un poco de exploración de las costumbres locales.

El punto en contra que le encuentro son las actuaciones. Los dos protagonistas (tanto el guionista como su compañera de piso) me resultaron un poco insulsos. Los dos son extranjeros (aparentemente de Estados Unidos) y ambos hablan español. Quizás el casting fue un poco más complicado (había que sumar que la película se filmó en Buenos Aires), pero podrían haberlo hecho mejor.

Recuerdo haber leído que esta era LA película del festival y es probable que así lo sea. Es una película muy llevadera y cuidada. Sin dudas muy diferente a lo que el cine Hollywoodense nos tiene acostumbrados, así que todavía hay una luz de esperanza en estos directores jóvenes que no pertenecen al mainstream. La duda que me generó es qué repercusión tendría este film entre personas que no conocen Buenos Aires o que no conocen sus costumbres; sin dudas diferentes de las mías, pero me pregunto si serán positivas también o no.

En todos lados sucederá lo mismo: siempre despierta curiosidad cuando un cineasta extranjero filma en tu país. No es una cuestión de nacionalismo ni mucho menos. Es, simplemente, intrigante saber cómo los lugares, hábitos y costumbres que uno conoce y muchas veces da por sentados, son vistos por alguien que apenas ha pasado unas semanas en el lugar. The International Sign for Choking se centra en la experiencia de un guionista que viene a Buenos Aires con la excusa de escribir un guión, pero que en realidad está buscando a una mujer que conoció en el pasado y a la que no puede encontrar. En su recorrido se topa con otra americana –encarnada por Sophia Takal– y es en la relación entre ambos en donde la película se apoya. Utilizando planos cortos y locaciones poco distinguibles, Weintraub pinta claramente las vivencias de un hombre perdido en una suerte de limbo personal y artístico. Se puede viajar al otro lado del mundo, dirá el film, pero lo que no se puede es escapar de uno mismo. Y eso, citando a Moris, es lo más encantadoramente “porteño” que tiene esta original película.

Policeman fue la primer película del BAFICI que tuve la oportunidad de ver. Es una producción israelí que según pude leer no tuvo buena repercusión en su propio país. En algún lugar habían publicado que se trataba de algo al mejor estilo Tropa de Elite, pero no tiene nada que ver. La historia tiene dos ejes: por un lado los policías de la fuerza anti-terrorista (parecido al BOPE carioca); nos muestran un poco de las relaciones entre estos personajes, más bien distantes y cagadoras. Por el otro lado se incluyen 4 adolescentes que quieren iniciar una revolución en contra del estado capitalista en el que se transformó Israel.

No conozco tantos israelís como para juzgar, pero la película no los deja para nada bien parados. En los primeros minutos deciden hacer que un policía enfermo de cáncer cargue con toda la culpa por una metida de pata policial (total se va a morir). Las relaciones entre esposos, amigos, todo es increíblemente distante e interesado. Por el otro lado, incluir algún tipo de crítica social a través del discurso de un grupo "revolucionario" es demasiado simplista. La crítica la tendrían que haber incluido, en tal caso, a través de los propios policías como lo venían haciendo (hay algún atisbo de racismo, cuando se sorprenden de que los revolucionarios no sean árabes).

En general la película me gustó, pero no demasiado; el sonido me perturbó un poco (cada vez que se saludaban, las palmadas en la espalda sacudían mis oídos). La fotografía era aceptable y las actuaciones me parecieron bastante buenas. El guión me pareció el punto débil. Si bien algunos personajes se logran desarrollar, las relaciones entre ellos no quedan claras. (No quiero arruinarle la película a nadie, pero...) Además de que la idea de secuestrar a un par de ricos y pedir que vayan las cámaras y encerrarse en un lugar sin ninguna salida es más bien infantil, la visión del líder revolucionario no está para nada bien lograda.

Una pena, porque es una película que podría haberle ido muy bien, pero que se queda en el camino.

Es conocida la sofisticación de los cuerpos militares y policiales israelíes, nacidos al calor de la necesidad de un país donde la violencia no sólo está en el pasado sino que es una frontera cotidiana. Yaron forma parte de un cuerpo policial de elite, similar al BOPE carioca. Aunque no sepa admitirlo, sus ideas, modos de relacionarse e incluso su sexualidad están teñidos del culto al valor y la justificación de la violencia propios de la institución. Mientras tanto, y descontento con el estado de cosas, un grupo de jóvenes que oscila entre la certeza ideológica y las vacilaciones propias de la postadolescencia busca diferenciarse con un acto de rebelión. Policeman es una película polémica porque no se limita a ejercer el punto de vista de una de las partes: de hecho, parece igualmente cruel con ambas. Al exhibir el machismo desenfrenado que está en la raíz del monopolio estatal de la fuerza, así como la inmadurez y soberbia de los pretendidos revolucionarios, denuncia –siempre sin énfasis ni hipérbole, evitando la trampa de lo dramático– el autismo de ambos bandos, su incomunicación y desprecio por ese mundo que con sus acciones pretenden mejorar.

"When one man, for whatever reason, has an opportunity to lead an extraordinary life, he has no right to keep it to himself." - Jaques Cousteau

Finalmente terminé de ver las películas de Wes Anderson que me había propuesto. Por esas casualidades las vi en un orden anti-cronológico, empezando por Darjeeling Limited y terminando con Rushmore. Así que ahora estoy en condiciones de decidir si este es un director que me gusta o no.

Rushmore, en Argentina conocida como Tres son multitud (y en otros países de habla hispana como Academia Rushmore) narra la historia de Max Fischer (Jason Schwartzman), un estudiante de 15 años en una prestigiosa academia en los Estados Unidos. Algunos carteles aparecen y nos muestran rápidamente qué es lo que hace Max Fischer de su vida: presidente de la sociedad de apicultura, fundador del equipo de esgrima, y tantísimas otras cosas más.

Pero la verdadera historia gira alrededor de un amor imposible, el de Max por Rosemary Cross (Olivia Williams), una maestra de primaria varios años mayor que él. También se involucra Herman Blume (Bill Murray), un exitoso empresario, padre de dos alumnos del instituto y que terminará convirtiéndose en amigo de Max. El elenco principal lo concluye el Dr. Nelson Guggenheim (Brian Cox), director de la escuela y de alguna manera una persona cercana a Max.

La desilusión amorosa, sumada con algunos problemas académicos obligan a Max a concurrir a una escuela pública. Se hace de nuevos amigos, con nuevos proyectos, pero nunca pierde el contacto con su vieja academia y conocidos.

Por lo que tengo entendido Rushmore es la ópera prima de Wes Anderson y me atravería a decir que es la que más me gustó. Posee todos esos elementos típicos de su estilo, esta mezcla entre comedia y drama, con personajes que a veces rayan en lo ridículo (aunque en esta es poco y nada) pero que no dejan de ser verosímiles. El elenco no es tan exuberante como en las próximas películas, pero todos hacen un papel increíble.

En esta película, además, se sientan las bases de algunos elementos que aparecerán en Life Aquatic... (como la cita de Jaques Cousteau que abre esta entrada, o la construcción del acuario o la boina roja). Es una película fácil de ver y entretenida. De alguna manera me recuerda mucho a Darjeeling..., con un mensaje esperanzador y personajes muy humanos y claros.

Después de haber visto esta serie de cuatro películas, puedo decir que Wes Anderson es un director de cine que me gusta. Tendría que ver la película más nueva de el: Fantastic Mr. Fox (de animación), pero creo que voy a esperar un poco; tendría que seguir con algún otro director y volver a este en un tiempo, para ver si sigue generando lo mismo.

Me resultó una película difícil de conseguir (no estaba en el videoclub, ni en Cuevana), pero no es nada que un poco de búsqueda en Google no pueda resolver.

Hace unos días cuando reseñaba "The Life Aquatic" había prometido ver alguna otra película de Wes Anderson para poder definir si es un director que me gusta o no. Esta vez llegó el turno de "The Royal Tenenbaums" (en español: "Los Excéntricos Tenenbaum").

En esta película nuevamente se presenta el tema de la familia como eje central (tanto en Darjeeling... como en Life Aquatic... son un componente importante); los Tenenbaums son una familia de prodigios, el padre solía ser un gran litigante, la madre una antropóloga relativamente exitosa y los hijos se destacaron tanto en deportes como en los negocios o la producción teatral. La voz de un narrador (Alec Baldwin) nos hace una rápida introducción a cada uno de los integrantes de la familia y de la casa donde viven, que se transformará prácticamente en un personaje más.

Pero la película no se centra en los años felices de la infancia sino en la crísis que se genera a partir del divorcio, la soledad y fracaso que cada uno de los personajes atraviesa, hasta que Royal (el padre, Gene Hackman) decide volver a la casa a recuperar el tiempo perdido, alegando una enfermedad terminal que no le dejaría más que seis semanas de vida. Esto produce que sus hijos Chas (el exitoso hombre de negocios, Ben Stiller), Margot (la escritora, Gwineth Paltrow) y Ritchie (el tenista, Luke Wilson) también regresen.

De a poco se van explorando las relaciones entre cada par de personajes: la madre (Anjelica Huston) con su nueva pareja, el contador de la familia (Danny Glover); Royal y su ex-esposa (a la que nunca le había dado el divorcio); Margot con su marido (Bill Murray) y su amante (Owen Wilson); Royal y el mayordomo Pagoda (quien lo había apuñalado, pero también le había salvado la vida); Ritchie y su enamoramiento por Margot, la hermana adoptada; Chas con sus dos hijos y su complicada relación con Royal y así sucesivamente.

A lo largo de toda la película se plantean situaciones exageradas, se deja entrever un pasado remoto aún más extraño (por ejemplo cómo se conocieron Royal y Pagoda, o la presencia de la difunta abuela) pero nunca se pierde de foco que lo que se quiere retratar es lo más simple de las relaciones humanas. El elenco es, como en todas las películas de Wes Anderson, destacable. Creo que ninguno, salvo quizás Gene Hackman, roba más pantalla que los demás. Inclusive con la oscilación entre la comedia y el drama no se cae en la ridiculización; Ben Stiller aparece prácticamente toda la película vestido con un buzo y unos pantalones Adidas rojos y un peinado afro y sin embargo logra mantener la compostura.

Un detalle que me parece se debe destacar es que a cada personaje se le dedica el tiempo suficiente (ayudado obviamente por la voz en off) para poder comprenderlo; no nos quedamos con dudas grandes sobre qué es lo que habrán hecho antes o lo que harán después. La mezcla nuevamente entre la comedia y el drama nos hacen pasar un momento súper agradable; si bien no arranca una carcajada, tampoco nos deja un aire de desasosiego. Además de infinidad de detalles (como el Gipsy Cab Co. para aquellos que la vieron) o las locaciones en las que se filma, que nos mezclan todo el tiempo esta situación de realidad y ridiculez (como en Life Aquatic... pueden haber sido esas animaciones de los animales).

Esta película me pareció un poco más difícil de digerir que las otras dos que vi pero no por eso no valió la pena. Son películas diferentes, sin dudas, con el 100% del presupuesto en los actores y sus actuaciones. Gene Hackman se lleva realmente un aplauso. La música, como siempre, otro detalle memorable.

Para los que quieran, la película está en Cuevana con buenos subtítulos. Les recomiendo esta entrevista al director, en la que le preguntan sobre las similitudes entre su propia familia y la película.

En Fotograma y Cinecanto hay otras críticas.

Director: Wes Anderson
Actores principales: Bill Murray, Owen Wilson y Anjelica Huston (entre muchos otros).

Steve Zissou: Where'd you come from? You look pregnant.
Jane Winslett-Richardson: I am pregnant. I'm not even going to ask what you men are doing out here in your matching pajamas, by the way.

Wes Anderson es un director del que me habían hablado bastante; no es particularmente prolífico y la única película que había visto (pero sobre la que todavía no escribí nada) era Viaje a Darjeeling. Como esa película siempre me transmitió una sensación de tranquilidad y bienestar muy grande, decidí comenzar a explorar las otras obras. Life Aquatic... tiene muchos de los elementos que esperaba encontrar, como diálogos inconclusos, algunos muy bien pensados; detalles en la fotografía que no dejan lugar a dudas de que se trata del mismo director y una historia que no sabemos muy bien cuál es.

Una de las características principales de esta película es que narra la creación de un documental desde el punto de vista de los que lo hacen. Nos introduce en un mundo que jamás habríamos imaginado, como el de un explorador al mejor estilo Jaques Cousteau pero con un infantable toque bizarro. Todo comienza en el estreno del documental que llega a la pantalla de un gran teatro europeo sin penas ni gloria (paradójicamente lo mismo que le pasaría a este película en la vida real). Podemos conocer a la mayoría de los protagonistas de la película en los primeros minutos.

A medida que avanza el tiempo, vamos descubriendo detalles de Steve Zissou (el explorador) y su posible hijo no reconocido Ned Plimpton. Nos dejan ir viendo la decadencia en la que el grupo entró, los descubrimientos ya no son lo que eran, da la sensación de que se perdió el toque. Entre escenas particularmente ridículas que casi nos arrancan una risa, pero que a veces no dejan de ser trágicas, unos planos desde ángulos que parecen forzados, diálogos casi impecables (para mi gusto) y una música memorable, vamos transitando esa historia.

El juego entre los dos planos, el de la ficción dentro de la ficción (la filmación del documental) y el de la realidad dentro de la ficción (en el que transcurre la historia) es fundamental en la narración. Sin hablar de la otra separación entre lo subacuático y lo supracuático, aquel en el que el mejor amigo de Zissou murió, este en donde los personajes transcurren sus vidas. Un detalle genial de Anderson en este filme es que nunca nos deja olvidar que es todo una historia y se ve claramente con las animaciones de los animales subacuáticos, completamente artificiales.

Seu Jorge, uno de los personajes, es el encargado de musicalizar varias escenas haciendo más que nada covers de artistas estadounidenses pero con un toque bien brasileño. Creo que el climax lo alcanza cuando se deja escuchar un temazo que me encanta Águas de Março (y que siempre logra arrancarme una sonrisa).

En resumen, puedo decir que Life Aquatic... es una película linda. No cae tanto en clichés (o si lo hace es para ridiculizarlos), se pasa el rato. Por ahora Viaje a Darjeeling sigue gustándome más; cuando vea las otras dos películas que me propuse de este director (The Royal Tenenbaums y Rushmore) podré decir si es uno de mis directores favoritos o no.

Ya está a punto de transformarse de un rumor a una noticia: Michael Fassbender estaría terminando las negociaciones para quedarse con el papel del joven Magneto en "X-Men: First Class". En el film se contará la historia de ese personaje y del profesor Charles Xavier ---interpretado por James McAvoy--- en sus épocas de juventud, cuando eran amigos y el por qué de la separación.

Fassbender ha estado en un sinfín de películas, pero es probable que no lo reconozcamos de ninguna, ya que nunca tuvo un rol protagónico. Además de que hizo papeles dispares, por ejemplo trabajó en "Inglouriuos Basterds" y en "Jonah Hex" como uno de los villanos. Un papel tan importante como este sin dudas lo sacará del anonimato y hará que veamos mucho más de él por un tiempo.

La producción comenzará este verano en Londres, con Matthew Vaughn como director y Jane Goldman como escritora. Si todo continúa por el buen camino, la película deberá llegar a nuestras pantallas en 2011.

Foto: Young Romantic

El periódico británico The Guardian hizo una encuesta para ver qué películas son las que ellos consideran mejor predijeron el futuro. A continuación les paso esa lista y las opiniones de los lectores. De paso aprovecho a preguntarles ¿ustedes, qué películas creen que fueron las que mejor predijeron el futuro?

"2001: A Space Odyssey" (1968)
Sin dudas uno de los mejores films de ciencia ficción ---o acaso la palabra "ficción" está un poco de sobra--- de todos los tiempos. Hay una escena en la que los astronautas, mientras comen, usan unos dispositivos muy parecidos a iPads. Lo único con lo que se equivocaron es que todavía no hay viajes a Júpiter programados.

"Hitchhiker's Guide to the Galaxy" (2005)
Tanto la película como el libro son súper recomendables. Inclusive en Google tenemos un pequeño juego que les dejo en este link. Sin dudas una de las predicciones más importantes del film fue un sistema de información continuamente actualizado. ¿No es acaso parecido a Wikipedia? También en la película podemos ver algo parecido a la Internet inalámbrica, sólo que con cobertura galáctica. Es una pena que el autor del libro, Douglas Adams, muriera tan sólo 5 meses después del lanzamiento de la enciclopedia online.

"Fahrenheit 451" (1966)
Tanto en el libro como en la película, lo que vemos es un futuro de casas con televisiones montadas en todas las paredes. Ya no hay espacio para otra cosa e inclusive el trabajo de los bomberos es quemar libros. Básicamente se nos planteaba la posibilidad de que la gente ya no leyera libros, sino que se informara únicamente a través de las pantallas. ¿Y no es eso lo que está sucediendo hoy en día? Creo que, aunque lento, es innegable el avance de los libros electrónicos en dispositivos como el Kindle, por ejemplo.

"Terminator" (1984)
Lo que uno de los lectores destaca sobre esta película, y sobre lo que nunca había pensado, son las escenas en las que se ve a través de los ojos de los robots. Aparece información sobre lo que vemos, la distancia, el nombre de la persona que tenemos enfrente, etc. Más similar a lo que conocemos como "realidad aumentada", imposible. Hoy en día casi cualquier persona con un Smartphone y una aplicación especial puede hacer casi lo mismo ---salvando la diferencia de que, en general, no queremos matar a nadie---.

"Blade Runner" (1982)
De esta película se destacan diferentes cosas. Primero, el escaneo de retinas como método de identificación personal. Pero también incluye ideas como la creación de organismos a partir de ADN artificial, algo recientemente logrado. Es verdad que el tema de los autos voladores es casi un cliché lejos de realizarse, pero en algunas sutilezas se mostró muy valedera.

Esas son las 5 películas que mejor predijeron el futuro, según los lectores ingleses. ¿Ustedes cuáles agregarían y por qué?

Foto: Mobile Behavior